Photographier le théâtre, théâtraliser la photographie : Expérimenter la transversalité (archive)

La photographie et le théâtre ont un lien singulier, fort, bien au-delà du moyen d'illustrer un spectacle. L'image s'origine dans l'imago latin, le masque mortuaire de cire utilisé lors des processions funéraires de l'antiquité. La genèse de l'image serait alors une sorte d'interface entre les humains et la mort dans une forme de théâtre primitif. C'est peut-être de cette origine que la photographie devrait se revendiquer et admettre de se rapprocher du théâtre, car loin d'être une vision objective des évènements ou une quelconque preuve du réel, la photographie en est également une représentation, une interprétation. Ainsi libérée d'une responsabilité illégitime et de ses règles inhérentes, chaque photographie peut être appréhendée et reconnue comme une succession de choix, de prises de décisions de la part du photographe. Photographe metteur.se en scène donc à travers un cadre, un angle de vue, une distance, une technique, des sensations, une compréhension de ce qu'il se passe, se joue devant lui/elle.

Toute photographie est donc une théâtralisation de la réalité, un jeu entre les éléments du réel et celui ou celle qui les enregistre pour fabriquer l'image, jeu également avec celles et ceux qui les reçoivent et en admette la règle. Ici aussi il y a similitude avec le théâtre, mêmes rapports complices entre les protagonistes d’un spectacle de théâtre, dans cet accord tacite autour du "faire vivant", de la mise en vie des personnages, de la danse des corps et de leur mise à mort.... Et la photographie de théâtre de jouer doublement en représentant la représentation de cette célébration de la vie.

Il y a néanmoins une singularité dans la posture du photographe de plateau, loin des séances de shooting de la mode ou de la publicité. Ici on ne choisit pas sa lumière (et on ne tire sur personne), on accueille l'inconnu, on enregistre discrètement l'irrémédiable et on espère l'inouï.

L'atelier sera donc expérimental et transversal, il s'agira d'être à toutes les places, acteurs.rices et photographes, photographier et être photograhié.e, faire spectacle et en faire des images, analyser ce qu'elles disent, améliorer et comprendre ses choix techniques et sensibles, s'interroger sur le statut de l'image, les créer.

Module 1 : une demi-journée

Présentation du stage et des formatrices.

Présentation des stagiaires et de leurs acquis.

Organisation du stage, mise en place de programmes jumeaux entre les profils artistes visuels et artistes de la scène. Distribution des rôles ; les rôles pourront s'inverser.

Training et préparation physique pour se rendre disponible à soi, au partenaire, à l’espace.

Présentation libre au plateau de chaque stagiaire et de son rapport à l'image.

Module 2 : une demi-journée     

État des lieux du matériel de prises de vues. De quoi disposons-nous ? Comment travailler, avec quel matériel ?

Exploration théorique de la finalité des images pour un.e interprète, un.e metteur.se en scène, et pour un.e photographe.

Présentation des notions techniques : la lumière au théâtre, les enjeux du plateau, le dialogue entre le montage d’images et le montage de partitions chez l’acteur·rice.

Module 3 : cinq demi-journées

- Séances de prises de vues à partir d'improvisations, de textes choisis par les stagiaires, proposés par les intervenantes. Travail en binôme ou en petit groupe. La méthode des actions physiques sera traversée au plateau pour explorer les différentes dynamiques du mouvement, inventer des postures, créer des situations dramatiques. Expérimenter ensuite la modification des différents paramètres (conscience du tempo, de la durée, des formes, des gestes, de l’architecture...) chez les acteurs·rices et leurs répercussions sur les images.

Analyse des images et re-travail possible.

- Séance de prises de vues pendant les répétitions du spectacle STRIP. Fondé sur une expérience vécue, le spectacle tisse un récit qui mêle témoignages réels et fiction. Dans cette installation performative, Julie Benegmos et Marion Coutarel proposent une expérience immersive dans le milieu du striptease. Eloge du risque de la philosophe Anne Dufourmantelle, colonne vertébrale de la dramaturgie du spectacle, accompagnera la recherche menée par les stagiaires. Risquer la mise à nue – réelle, symbolique.

Module 4 : une journée

Travail sur les prises de vue réalisées. Visionnage, choix et analyse des images.

Réflexion autour de l'image comme représentation. Il s'agit d'aborder la position du regardeur et du regardé pour faire surgir quelque chose de nouveau dans la pratique de chacun.e.

Pour les artistes auteurs : Quelle part de mise en scène pour un photographe de plateau ? Les spécificités du photographe de plateau.

Pour les artistes du plateau : Quelle posture pour celui ou celle qui se donne à voir ?

Module 5 : une demi-journée

Construction pour chaque stagiaire d'une série de photographie : illustration ou re-présentation ? Mise en jeu, en performance.

Bilan collectif.